Hannes Broeckers Interesse gilt der Zeichensprache und Ästhetik des öffentlichen Raumes. Er übersetzt und abstrahiert dort vorherrschende Ordnungssysteme und urbane Strukturen. Graffiti und Parolen, Farbcodierungen von Werbetafeln und Bauabsperrungen, spiegelnde und bröckelnde Fassaden, die von Macht und Ohnmacht erzählen, werden zu gemalten »Bildern«. Im System konventioneller Ausstellungspräsentationen erscheinen die Skulpturen und Installationen mehr noch als die Bilder wie Balanceakte zwischen Aggression und Verführung: sie verstellen Zugänge, verweigern Einblicke und locken als Ausgleich mit der lebendigen Kraft starker Farben, mit ungewöhnlichen Oberflächen und Materialien.

Auch wenn der Künstler Jan Brokof zunehmend installativ arbeitet, ist er in erster Linie ein Grafiker. Zu seinen bevorzugten Techniken gehören die Bleistiftzeichnung, das Tuschen und vor allem der Holzschnitt. Erinnerungen und biografische Momente in den Arbeiten werden zunehmend abgelöst von vermittelten und beobachteten Straßenszenen, die den Künstler täglich begleiten. Mit diesen Motiven begibt sich Brokof auf eine neue Ebene in der künstlerischen Auseinandersetzung mit seinem Alltag, gelöster von einem stark an den Inhalt angelehnten Sujet. Die Untersuchung von Fläche im Raum erhält eine neue Brisanz. Und langsam kommt Farbe ins Spiel.

Die Beschäftigung mit der bewussten Veränderung des Abbildes ist ein interessantes Gebiet der Fotografie. Insbesondere die experimentelle Fotografie mit ihren zahlreichen technischen und chemischen Möglichkeiten ermöglicht darüber hinaus einen spielerischen wie technisch-wissenschaftlichen Umgang mit dem Medium. Die Ausstellung soll einen abwechslungsreichen Ausschnitt des Spektrums dieser bewussten fotografischen Gestaltung vorstellen.

Verbindendes inhaltliches Element der teilnehmenden KünstlerInnen liegt in der Auseinandersetzung mit Fundstücken und Ausgangsfragen – Fragen nach Ursprüngen, Geschichte und Spuren.

Spuren sind seit jeher Grundlagen von künstlerischen Arbeiten. Jeder Mensch hinterlässt Spuren und jeder Mensch nimmt Spuren von anderen auf. Diese Dynamik setzt sich in der künstlerischen Arbeit fort und gibt dem Betrachter die Möglichkeit, diese Spuren zu erforschen. Womöglich muss er dabei mit eigenen Sehgewohnheiten brechen, um zu einer eigenen Interpretation der künstlerischen Aussage zu gelangen.

Die Transformation von Bekannten im fotografischen Bild und die bewusste Ambivalenz zwischen Realität und künstlerischer Neugestaltung stellen dabei die scheinbar reizvollsten Aspekte dar.

Stefan Lenkes Faszination von Geschwindigkeit, vom Verschmelzen von Bildern und Zeiten gibt einen Anlass, die matten, grau-silbrigen, dem schwarz-weißen Fernseh- oder Fotobild anverwandelten Verwischungen und Unschärfen in Verbindung mit heutigen Seherfahrungen zu bringen und an moderne Techniken der Bilderzeugung zu denken, an das Flimmern der Zeilen in Halbbildverfahren ebenso wie an digitale „gepixelte“ Oberflächen. 

Alle Vergleiche mit technisch bedingter Künstlichkeit machen zugleich die Wärme und Authentizität von Gemälden generell und Stefan Lenkes Arbeiten im Besonderen bewusst. Die leise, samtene Tiefe der mit Pigmenten angereicherten Farben ihr intensives „Glimmen“ und ebenso das Schweben trocken aufgebrachter oder wieder abgetragener Farbschichten machen die Intensität der Arbeit während des schrittweisen Farbauftrages spürbar. (Birgit Dalbajewa, Auszug aus dem Text im Katalog Stefan Lenke: Werke 2005-2008)

Die galerie baer präsentiert mit Facebook eine von the drawing lab konzipierte Gruppenausstellung zum Thema Porträt in der Zeichnung. In der Ausstellung zeigt sich das breite Spektrum der Zeichnung: vom Aquarell auf Papier bis hin zum animierten Zeichnungsvideo werden alle Facetten dieses vielschichtigen Mediums repräsentiert. In allen Epochen der Kunstgeschichte spielt die Gattung Porträt eine immanente, zentrale Rolle: das Porträt kann das eigene Ich, den Blick auf den Fremden, auf eine ganze Gesellschaft zum Ausdruck bringen und spiegelt gleichzeitig stets den persönlichen, sehr subjektiven Blick des Künstlers wieder. Die Ausstellung Facebook präsentiert 22 internationale Künstlerpositionen und wird in unterschiedlichen Konstellationen in Berlin, München, Dresden und weiteren Stationen zu sehen sein.

Mit seinem Blick auf Bewegungszustände, ästhetisch wie formal, nimmt Sebastian Hempel direkt Einfluss auf die räumliche Wahrnehmung und sinnliche Erfahrung der Rezipienten. Häufig arbeitet der Künstler raumbezogen, lässt Tennisbälle springen, Fußböden sich bewegen, Leuchtstoffröhren tanzen. Der Betrachter wird in den installativen Arbeiten in das Phänomen der Bewegung körperlich einbezogen. Die Wahrnehmung ist dabei abhängig von der Zeitkomponente. Gemeinsam ist den Arbeiten trotz permanenter Transformation ihr bildhafter Charakter. Im vorderen Galerieraum hängen einige kinetische Wandobjekte mit teils grafischer Wirkung. Im Mittelgang wird der Besucher von einer Installation wie von einem Schatten begleitet. Den hinteren großen Ausstellungsraum dominiert ein Lichtturm, der scheinbar aus der Galerie herauswachsen will.

Sebastian Hempel, 1971 in Dresden geboren, war bis 2000 Meisterschüler bei Ursula Sax an der HfBK in Dresden. Der Künstler stellte u.a. im Kunsthaus Dresden, in der Städtischen Galerie Dresden, im Städtischen Museum Zwickau, im Museum der Bildenden Künste Leipzig, in der Städtischen Galerie Nordhorn, im Künstlerhaus Dortmund, in den Kunstsammlungen Gera, im Kasseler Kunstverein, in der Nationalgalerie Prag, auf dem Art Forum Berlin, auf der Art Cologne und auf der Art Basel aus. 

Unter dem gleichnamigen Titel zeigt Stefanie Busch eine neue Arbeit, die im Format eines Magazins ihre Betrachtungen zur derzeitigen Regression in den Vereinigten Staaten visualisiert. Während eines mehrmonatigen Aufenthalts im Mittleren Westen der USA verschränkt sie selbstreflexive Auseinandersetzungen mit ihrem Status als Künstlerin mit den offensichtlichen Bildern eines trotz maroder Verschleißerscheinun-gen noch funktionierenden Systems. 

Vacant: Die Finanzkrise materialisiert sich am augenscheinlichsten in den geräumten und verlassenen Immobilien der Städte und Vorstädte des Mittleren Westens. Vacant meint hier eine ungeklärte Zukunft, eine Beseitigung, Abtragung der Häuser oder Marktbereinigung. 

Die Codes und Zeichen der Regression kommen Stefanie Busch in ihrer Auseinandersetzung mit dem Status quo der Kunst und des Kunstbetriebs entgegen, sie greift diese in ihren neuen Arbeiten auf. In »The Good Times Are Killing Me« zeigt sie Siebdrucke, Fotografie und Tuschezeichnungen. Das Ausgangsmaterial für die neuen Arbeiten sind Zeitungsartikel, Stadtpläne, leere Werbetafeln, Architekturen, aber auch ganz gewöhnliche Situationen eines US-amerikanischen Alltags. Gemein ist den Motiven das Unspektakuläre, das Abseitige. Stefanie Busch sucht jenseits der US-amerikanischen Metropolen interessante und randständige Realitäten, die jedoch den Alltag dieser Gesellschaft wahrscheinlich realistischer und konkreter porträtieren. 

Der pragmatische Umgang mit den Spuren der Regression beispielsweise in Detroit fasziniert die Künstlerin. Ein ehemaliges Opernhaus wird zum Parkhaus umgewidmet, die Melancholie über diese Situation wird durch das Unkonventionelle und konkret Praktische verdrängt. Die Krisenerscheinungen des Kapitalismus werden deutlich, von den AnwohnerInnen dieser riesigen und leer gezogenen Stadt jedoch unprätentiös für neue Lösungsansätze genutzt. Dem Umgang mit den Brachen der Stadt wohnen ein stiller Optimismus, Wut und Kreativität inne, die nicht umsonst zur Entwicklung von Tekkno und Urbaner Landwirtschaft geführt haben.