Seit mehreren Jahren beschäftigt sich der Künstler Oskar Schmidt in seinem fotografischen Werk mit der Inszenierung von Figuren, Objekten und Räumen. Er reduziert seine Arrangements stets auf das Wesentliche und perfektioniert dabei ihre Aufführung bis ins kleinste Detail. In seiner aktuellen Arbeit The American Series nimmt Schmidt den Bildern schließlich auch die Farbe und fotografiert in »ehrlichem« Schwarz-Weiß. Ausgangspunkt hierfür sind Ikonen der Fotografie- bzw. Kunstgeschichte: Aufnahmen des Fotografen Walker Evans, die er im Amerika der Great Depression in den 1930er Jahren gemacht hat. Evans bereiste als Fotograf eines bis dato einmaligen Dokumentationsprojekts im Regierungsauftrag die USA, um die Folgen der wirtschaftlichen und sozialen Misere jener Zeit festzuhalten und eine visuelle Argumentation gegen das Scheitern der Verheißung Amerikas zu konstruieren.

In einer Mixtur aus appropriation und re-enactment baut Oskar Schmidt die Kulissen aus Evans Bilder gut 75 Jahr später nach und fotografiert sie mit einer Großformat-Kamera neu. Vom verwitterten Holz über die Artefakte eines spartanischen Lebens bis hin zum Staub der dust bowl scheinen die Bilder ihren amerikanischen Verwandten zu gleichen. Und doch sind es Rekonstruktionen im Atelier des Künstlers. Studiokulissen, die im Vergleich zu ihren Vorläufern eine Variation des Arrangements oder der Perspektive beinhalten und somit auch einen Blick auf die Konstruktion von Geschichte hervorrufen.

Mit der Wiederholung historischer Abbilder entledigt sich Oskar Schmidt des nach wie vor verbreitetem Authentizitätsversprechens der Fotografie und konstruiert neue Bilder, die ihrem vermeintlichen Original standzuhalten wissen. (Thilo Scheffler)

Mit seinen konzeptuellen Arbeiten zielt Theo Boettger auf jene Kräfte und Mechanismen des gesellschaftlichen und kulturellen Systems, die das Funktionieren des Spätkapitalismus und die daraus entstehenden Konfliktsituationen in Bewegung halten. Daraus entwickelt er seine Strategien der Verbildlichung, in der allgemeine Wahrnehmung der Welt, kollektive Verbindlichkeit und Komplexität der eigenen Denkoperationen zusammenfließen und in bildhaften Entsprechungen synthetisiert werden. Sie werden zur Projektionsfläche für Beklemmung und Ängste, die apokalyptische Züge aufweist. Mehr noch, mit dem ikonografischen Mix aus Malerei, Objekt, Skulptur, Comic, Schrift, Zeichnung, mit dokumentarischen Notaten sowie der Amalgamierung von Werbetopoi und Metaphern des Cyberspace wird die vieldeutige Auseinandersetzung zum raumgreifenden politisch-künstlerischem Statement, in das individuelle wie kollektive Erfahrung gleichermaßen eingehen. Man könnte auch sagen, Theo Böttger bringt sich mit großer Unmittelbarkeit in die variantenreichen Spiele der innerem und äußerem Druck ausgesetzten menschlichen Existenz ein. Er operiert mit Befindlichkeiten und Emotionen an der Schnittstelle von persönlichem und sozialem Raum und konzentriert sich darauf, radikale Aussagen und Kommentare zu gesellschaftlichen Zuständen mit alttestamentarischer Wucht bewusst zu machen und zugleich mit substantiellen Äußerungen den individuellen Rahmen zu überwinden. 

Herbert Schirmer, 2010

Hannes Broecker sucht im öffentlichen Raum nach unverbrauchten, eindrücklichen »Bildern«, in denen sich die unteren Lagen unserer urbanen Lebenswelt spiegeln. Ihn interessieren jene Orte und Situationen, in denen die aus Raum, Architektur und Menschen gefügte städtische Textur aufgeraut ist, wo sich die Spuren des fortwährenden kollektiven Gebrauchs zeigen und die individuelle – auch sich den Regeln und Normen widersetzende – Benutzung der Stadt sichtbar wird. Aufgerissene Straßen, mit Sperrmüll verstellte Wege, Schlafstätten von Obdachlosen, mit Graffiti überzogene Wände, wild plakatierte Bauzäune, die Signalfarben von Absperrbändern – aus solchen visuellen Reizen und den dazugehörigen Realien schichtet Broecker intuitiv seine Bilder, Objekte und Installationen. Laut und grob stellen sie sich dem Betrachter oft als undurchdringliche Barrieren entgegen. Denn es geht nicht um die ästhetische Kultivierung eines banalen Motivs, sondern um das Aufbrechen einer vertrauten Alltagserfahrung, um die Neuentdeckung der eigenen Welt …

(Mathias Wagner)

»Unfreiwillige Bilder« – so nennt Martina Wolf ihre Arbeiten gerne, und das klingt ein wenig so, als würde sie gefundene Situationen zu ihrem Glück, d. h. zu einem Nachleben als Kunst zwingen. Doch um Zwang geht es keineswegs, zumindest nicht, was die Motive anbelangt.

Es sind wir, die Betrachter, die in einen Modus gezwungen werden, der uns im Alltäglichen oft fremd ist: den Modus der Langsamkeit.

Besonders wenn es bei Martina Wolf um bewegte Bilder geht, wird dieser Kontrast deutlich. Täglich bestimmt der Rhythmus schneller Schnitte und unablässiger, wechselnder Informationen unsere Wahrnehmung.

Martina Wolf jedoch setzt auf eine einzige Bildinformation und reduziert die Bewegung so drastisch, dass ganze Sequenzen statisch wirken, fast wie Fotografien. Zudem sucht sie sich bei der Komposition ihrer Videos noch rahmende Elemente, die diese Verwandtschaft unterstreichen. Sie liebt lange Einstellungen, verankert ihre Kamera und unseren Blick mit diesen. Fenster, in denen sich Architekturen spiegeln, schließen oder öffnen sich so langsam, dass Reflexion und Illusion mit der Realität verschwimmen. Das Warten wird so zum Prinzip, und Begrenzungen wie Türen und Fensterrahmen unterstreichen diese »unerträgliche Langsamkeit des Seins«. Die optischen Verriegelungen kehren sich vor ihrer Linse in ihr Gegenteil. Sie sollen etwas verschließen, öffnen aber – unfreiwillig auch sie – neue Perspektiven. 

 (Susanne Altmann)

Ayelen Coccoz gestaltet dreidimensionale Bilder, wobei sie eine fotografische Logik anwendet. In ihrer Arbeit werden Plastik, Fotografie und Zeichnung miteinander verknüpft. Auf diese Weise entstehen Objektbilder, die in einem mehrdeutigen Raum zwischen Zwei- und Dreidimensionalität, Dokument und Fiktion, Mechanischem und Manuellem angesiedelt sind. 

Die Arbeiten der Ausstellung gehören zu einer Serie, die kleine Szenen des Lebens auf dem Lande, hinter denen sich ein Gewebe aus dunklen und geheimnisvollen Geschichten verbirgt, nachgestaltet. Dabei geht die Künstlerin von dokumentarischen und privaten Fotografien aus, die Anfang des 20. Jahrhunderts in Argentinien und Deutschland entstanden sind. In ihrer künstlerischen Arbeit konzentriert sich Coccoz auf die dramatisch-fiktionalen Momente in den Darstellungen und konstruiert mit den Szenen eine kleine Bühne, auf der die Protagonisten Darsteller und Bühnenbild zugleich sind.&nb

 Die Bildthemen von Eckehard Fuchs schweben zwischen Erinnerung, Phantasie und den dem Unterbewusstsein überlassenen Eindrücken, ergründen zwischenmenschliche Interaktionen, gestörte Kommunikation und verzerrte Verhaltensweisen. 

Während er in seiner bisherigen Arbeit die menschliche Figur, verknüpft mit erzählerischen Anleihen und formalen Bezügen quer durch die Kunstgeschichte, zu seinem zentralen Motiv gemacht hat, beinhalten seine neuen Arbeiten eine Navigation durch die Psyche des Menschen, bei der die Bildfindungen die Gegenständlichkeit verlassen und zwischen erkennbarer Form und Abstraktion, zwischen subtiler und greller Farbigkeit oszillieren. Dies und der Titel der Ausstellung »ordine ordinario«, eine alltägliche Ordnung, stehen in unmittelbarem Zusammenhang mit der derzeitigen Lebenssituation des Künstlers, der sein gewohntes Arbeitsumfeld verlassen hat und im Turnus von ein bis drei Monaten in verschiedenen europäischen Städten arbeitet.

Die Ausstellung »Gorbatshow III«, ein eigentlich für Offspaces konzipiertes und auch dort erprobtes Projekt, findet erstmals im kommerziellen Kontext einer Galerie statt. Die Ideengeber Nicolas Dupont, Moritz Liebig, Matthias Materne und Matti Schulz haben für diese dritte Ausgabe ihren Kreis um Andrey Klassen und Stefan Krauth erweitert. Die Künstler zeigen Arbeiten in verschiedenen Medien, vereint zu einer großen Ausstellungsparty, wobei die Party selbst für den Besucher im sprichwörtlichen Sinne überraschend vorzeitig ihr Ende finden wird.

Christian Schwarzwalds künstlerisches Medium ist die Zeichnung. Er verwendet verschiedenste Techniken und Bildquellen, die in der Zeichnung zu einer neuen Bildsprache formuliert werden. Die Arbeiten Schwarzwalds gleichen Zeichensystemen. In seinen sich meist aus Skizzen und grafischen Notizen aufbauenden raumfüllenden Zeichnungsinstallationen verwendet der Künstler die einzelnen Zeichnungen wie Bausteine für ein eigenes Sprachsystem und fordert so neben der Gesamtbetrachtung die Auseinandersetzung mit dem Detail, der einzelnen Zeichnung, ein. Für die aktuelle Ausstellung »Heap« untersuchte der Künstler zahllose Einzelblätter gleichen Blattmaßes auf ihre Kommunikation und Kompatibilität miteinander. Nachdem er fast alle wieder »über den Haufen geworfen« hatte, blieben ca. 60 Arbeiten stehen. Die Präsentation in einem streng umlaufenden Band verleitet den Betrachter dazu, in den heterogenen Motiven von linearen Rastern, organischen Strukturen und Gegenständen eine Geschichte zu lesen oder einer Logik zu folgen. Doch wie immer setzt Schwarzwald auch auf Illusion und Irritation. 

 …Julius Hofmann illustriert keine ausgedachten Geschichten. Er lässt heraus, was in ihm ist: Zweifel und Ängste, geahnte Gefahren und Bedrohungen, auch das Spiel mit Verführungen, Verwandlungen und Maskeraden. Seine Geschichten entstehen beim Malen, formen sich mit Pinsel und Farbe, auch mit Säge, Cutter, Pappe und Kleister und auf dem Rechner. Sie werden umgedeutet, erweitert, gelöscht – oft schneller, als sie entstanden sind. Julius Hofmann agiert wie ein Filmemacher. Er ist Filmemacher und dabei Schauspieler, Masken- und Bühnenbildner, Kameramann, Schnitt- und Tonmeister und Regisseur in einem. Die Filme, erst wenige, doch schon meisterhaft, sind von beklemmender Dichte, wie auch die Bilder. Die erscheinen wie komprimierte Filme. Dem Betrachter werden Vorgeschichten angedeutet und Ahnungen in das Danach ermöglicht. Wege im dunklen Wald, Gewässer, die von der Nacht verschlungen werden, Schattenreiche hinter Mauern. Sie lassen den jungen Künstler als Spurenleger und Blickverführer erkennen…

Hauptakteur der Bilder und Filme ist ein Mann mit einer Hundemaske. Sie ist Tarnkappe und Schutzhelm zugleich, um Bösewichter zu bekämpfen und mit Gefangenen zu leiden. Mörder kommen vor, doch diese tragen schon das Antlitz des Todes. Weiblichkeit wirkt wie aus Porzellan, und schließlich ist mobile Technik für die Bildwelt des Malers und Figurenbauers unverzichtbar. Hier ist er ganz in seiner Zeit. Doch er ist einer, der die Harmonien des Designers auf den Prüfstand stellt und mit den Grenzwerten zur Zerstörung spielt…

Bernd Sikora 

Paola Alborghetti, Ulf Aminde, Tina Beifuss, Laura Bielau, Theo Boettger, Benedikt Braun, Hannes Broecker, Jan Brokof, Laura Bruce, David Buob, Stefanie Busch, Ayelen Coccoz, Stuart Croft, Constanze Deutsch, Isabelle Dutoit, Eckehard Fuchs, Tino Geiß, Kerstin Gottschalk, Falk Haberkorn, Hans Hemmert, Sebastian Hempel, Philipp Hennevogl, Andreas Hildebrandt, Julius Hofmann, Franka Hörnschemeyer, Gabriela Jolowicz, Lisa Junghanß, Anne Kaminsky, Eric Keller, Alfons Knogl, Peter K. Koch, Tobias Köbsch, Juliane Köhler, Stefan Krauth, Stefan Kübler, Anja Langer, Stefan Lenke, Jonas Lewek, Andreas Lorenschat, Paula Muhr, Erik Niedling, Daniel Rode, Jenny Rosemeyer, Christoph Rossner, Sophia Schama, Marten Schech, Oskar Schmidt, Ryan Schneider, Christian Schönwälder, Claudia Schötz, Christian Schwarzwald, Robert Seidel, Tommy Støckel, Katja Stoye Cetin, Jade Townsend, Patrick Ward, Anne Wenzel, Martina Wolf, Gabriele Worgitzki